Thirty-three animators bring to life 'Pirates!', Aardman's new production

“¡Piratas!” es la última gran producción de Aardman, los estudios que revolucionaron el stop-motion con ‘Chicken Run’ y ‘Wallace y Gromit’. Ahora vuelven a apostar por esta técnica enriqueciéndola con grafismo y animación computerizada.

En un auténtico trabajo de artesanía en el que ha trabajado un equipo de 320 profesionales, Columbia Pictures y Sony Pictures Animation están a punto de estrenar la última producción de los estudios Aardman: ¡Piratas!.

Con la interpretación vocal de Hugh Grant, David Tennant, Imelda Staunton, Martin Freeman y Jeremy Piven (en la versión original) y dirigida por Peter Lord, con producción de Peter Lord, David Sproxton y Julie Lockhart, ¡Piratas! es el proyecto más ambicioso hasta la fecha de Aardman. El guión es de Gideon Defoe basado en su libro, The Pirates! In an Adventure with Scientists.

“Me encantaban las historias de piratas cuando era pequeño – particularmente La isla del tesoro,” dice el dos veces nominado al Oscar Peter Lord, uno de los fundadores de Aardman y director y productor del nuevo largometraje animado. “Seguramente en la realidad no era muy agradable tenerlos cerca, pero aquellas historias los convirtían en algo glamuroso, desafiante y lleno de color, los cuentos de piratas se deleitan en los mares tropicales, el cielo azul, los cañones y los trajes. Es un mundo mágicamente irresistible. Así que cuando encontramos esta historia acerca de un puñado de piratas implacablemente optimistas, sentí que estábamos contando una historia de tradición clásica pero llevándola un escalón más arriba”, ha asegurado

La historia lo consigue gracias a sus personajes: un puñado de piratas desventurados en demasía que forman la tripulación más incompetente a la que podría aspirar un capitán.

¡Piratas! comenzó durante un brainstorming en el que las cabezas pensantes del estudio Aardman se reunieron para discutir posibles ideas para su próxima película.En los 40 años desde su fundación por Lord y David Sproxton, el estudio de animación nos ha emocionado, sorprendido y hecho reír y sonreír gracias a sus ingeniosas películas (entre ellas Creature Comforts, Chicken Run y Wallace & Gromit), series de televisión (como la popular Shaun the Sheep), videos musicales (como el memorable Sledgehammer de Peter Gabriel), además de anuncios publicitarios.

En esta ocasión se han enfrentado a su primera película animada cuadro a cuadro y en 3D, según Lord un medio perfecto para la estética visual del estudio. “Pensemos por ejemplo en el camarote del capitán. Lo hemos llenado de objetos curiosos, atractivos y deliciosos – son bromas que además sirven para expresar su personalidad. Ahora en 3D sientes que habitas ese espacio, que estás sumergido en ese mundo, y esa es una sensación maravillosa. O hablemos de un plano de acción – cuando el barco se abre paso entre las olas puedes realmente sentir el impacto”, asegura.

Una ambiciosa producción

¡Piratas! se realizó con la técnica de stop motion fotograma a fotograma, la cual se ha convertido en el sello distintivo de Aardman mereciéndole cuatro premios Oscar. Es también su película más ambiciosa hasta ahora en este formato. “En muchos sentidos, hacemos animación de la misma forma en que se ha hecho en los últimos cincuenta años, pero ahora estamos combinándola con efectos especiales vanguardistas y animación por ordenador ya que, si hay algo que no puedes detener en la animación fotograma a fotograma, es el mar”, ha comentado Lord. “Al tomar nuestro hermoso y sólido barco pirata animado por marionetas y ubicarlo en un mar generado por ordenador, lo hemos puesto donde puede mecerse, rodar y salpicar, disfrutar de una grandiosa libertad, un amplio espacio y mucha energía y se ve simplemente hermoso. Realmente siento que estamos usando lo mejor de ambas tecnologías –es una auténtica delicia y realmente emocionante entrar a un mundo más grande y disfrutar de su potencial visual. Es genial liberarnos para ir a estos grandes lugares con grandes multitudes. Pero nunca nos alejamos de lo que creo que los espectadores aman de la animación fotograma a fotograma: los escenarios y la utilería se ven reales, creíbles y tangibles pero mágicos a la vez. No sé si existe un estilo Aardman en cuanto al diseño, pero ciertamente existe en cuanto al compromiso con una bella elaboración y una buena escultura”, asegura.

Como autor de la novela en la que se basa la película, quizá no hubo mejor elección que Defoe para escribir el guión. No obstante, Defoe no tenía experiencia con la animación fotograma a fotograma antes de escribir su adaptación- lo cual supuso un reto para los cineastas. “Si hubiera tenido algún marco de referencia, nunca lo hubiera escrito de la manera en la que lo hice,” dice el guionista. “Resulta que las grandes y emocionantes batallas en el mar y las escenas multitudinarias son una pesadilla para esta forma de animación. Afortunadamente, nunca supuso una limitación. Nadie dijo: ‘no se puede hacer’ siempre fue ‘Ya conseguiremos la manera de hacerlo’. El formato “fotograma a fotograma” tiene un encanto que no tiene otra técnica –cuando algo está físicamente presente, marca una diferencia total y los personajes realmente cobran vida.”

“Es distinta a cualquier otra película en la que hayamos usado esta técnica”, dice Julie Lockhart, productora del filme. “Es tan compleja que nuestra primera suposición fue que la haríamos animada por ordenador. No fue hasta que Pete decidió construir un escenario como guía para los animadores de ordenador –para poder sentir y ver las texturas y realmente entender lo intricado del asunto- que todos decidimos que debía ser hecha “fotograma a fotograma”, aunque fuera un grandísimo reto. No repetimos ni un exterior –vamos del mundo pirata al Londres Victoriano; de la rudas calles del puerto a la alta sociedad en palacios reales, hasta altamar. Hay un inmenso número de personajes. Tenemos más efectos digitales que nunca antes. La única manera en que pudimos lograrlo fue gracias a la enorme cantidad de experiencia y talento en Aardman –tenemos gente que ha estado aquí 20, casi 30 años, y la increíble cantidad de conocimiento que tienen significa que podemos conseguir un nivel artístico nunca antes visto”, añade Lockhart.

Trabajar en un filme animado fotograma a fotograma es completamente diferente a trabajar en uno de acción real. Donde la acción real se ve limitada por el acceso a actores reales, una película cuadro por cuadro puede reproducir su personaje principal docenas de veces. “Hemos tenido hasta 35 o 40 animadores trabajando a la vez. Tuvimos tantos Capitanes Pirata que pudimos rodar hasta 20 escenas simultáneamente en distintas partes del estudio”, explica Lord. Claro que, lo que esto significa es que mientras en la acción real el director sólo puede centrarse en la escena que está rodando, con la técnica fotograma a fotograma el director puede llegar a concentrarse en docenas de escenas en producción al mismo tiempo. “Jeff (Newitt, el Co-Director), Jay (Grace, la Supervisora de Animación Sénior) y yo estábamos corriendo de un lugar a otro, dando apuntes, instrucción y consejos a todas estas unidades a la vez”, continúa Lord.
Antes de poder empezar en serio la producción, los personajes y platós debían ser diseñados y construidos. El diseñador de Personajes Johnny Duddle y el director de producción Norman Garwood se pusieron manos a la obra.

Con la naturaleza tan sumamente colaborativa que requiere hacer un filme animado, la creatividad y el brío de Garwood ayudaron a dar forma al ADN de la película.
Evidentemente uno de los platós principales de Garwood era el barco pirata. “Partí del concepto de hacer un barco que fuera dos mitades de barcos distintos” dice el director de producción. “La popa es de un gracioso barco viejo –la idea es que éste fue el barco original hasta que perdieron la proa en una terrible batalla y necesitaron una nueva. Encontraron entonces una elegante fragata francesa y esa es la proa que usaron para su barco. Desde entonces, ha sido ampliada con espacios adicionales para el baño del Capitán, todo unido con cadenas y pegamento. Se ve todo muy ridículo. Eso es lo que más me ha gustado de este proyecto –Peter quería ver un diseño tan gracioso y extravagante como fuera posible. Me animó a que yo no fuera demasiado corriente”, ha añadido.

La nave pirata fue hecha enteramente a mano con un total de 44.569 partes. Con un peso de 350 kilos, mide 4 metros de largo y 4,5 de alto, tan alta, de hecho, que para ser posible su movilización de un estudio a otro tuvieron que cortar un agujero en uno de los marcos de las puertas del estudio para que cupiera.

Para diseñar los personajes, incluido el Capitán Pirata, Johnny Duddle comenzó con bocetos iniciales de Peter Lord. “Los elementos más importantes a la hora de diseñar al Capitán Pirata fueron su abrigo y su barba. Hicimos diseños con abrigos largos y cortos, probamos diferentes diseños para la barba y estudiamos cómo ésta y el bigote se asentarían en la cara”, dice Duddle.

La barba del Capitán requirió una cantidad tremenda de desarrollo. “La barba del Capitán es fundamental para el personaje,” alega Lord. “Es una de las primeras cosas que menciona Gideon acerca del personaje en su libro. La barba resultó ser un enorme reto de diseño –no el diseñar la barba en sí, pero sí diseñar una que funcionara con un rostro muy móvil y expresivo”, asegura.

Otro reto fue hacer funcionar la barba con un sistema de reemplazo de boca que Aardman implementa por vez primera en esta película. En películas anteriores, dependía del animador moldear la boca de la forma correcta para crear la ilusión del habla. En ¡Piratas! Aardman empleó un sistema de reemplazo de bocas. “Es un sistema que sólo ha estado disponible en estos últimos años,” explica Jeff Newitt, el co-Director del filme. “Fuimos capaces de esculpir todas las formas bucales en un ordenador e imprimirlas físicamente en una impresora 3D. Imprimimos cientos de formas de bocas para que el personaje pudiera hablar con un amplio rango de expresiones y alocución- para el animador, la forma estaba predeterminada, sólo debía quitar una boca y poner otra, en lugar de esculpir nuevamente cada fotograma. Es realmente un sistema ideal porque los animadores pueden concentrarse en la actuación de los personajes y su expresión facial –pueden optar a un rango más amplio de movimiento ya que no les preocupa estropear la plastilina en forma de boca”, añade.
En total se crearon 7.000 bocas, 1.400 de ellas sólo para el Capitán.

A medida que el proceso avanzaba, los diseñadores de marionetas debían considerar cómo construirlas. Por ejemplo, asegura Anderson, “la Reina Victoria es, por fuera, una dama algo regordeta pero, por dentro, tiene una armadura complicada. Se tuvo que hacer cada pliegue de su vestido individualmente de manera que pudieran moverse, uno sobre otro. El torso debía estar separado de la falda y su cintura de modo tal que el cuerpo pudiera ser independiente de la falda- de este modo el miriñaque podría subir y bajar para darle la apariencia de estar caminando.” Y todo esto es sin considerar el diseño del rostro de Victoria. “Debía parecer bastante fuerte, real y altiva, pero dulce y astuta a la vez. Abultamos sus labios para darle esa apariencia desaprobadora, pero es también el tipo de mujer que sabe hacer ojitos para salirse con la suya.”

Con los personaje y los escenarios diseñados y construidos, se pasó el testigo a los animadores. Para Lord, los animadores no son sólo artistas que dan movimiento a los modelos. “Pienso en ellos como actores”, asegura Lord. “Cuando se sientan a trabajar no hay nada,- hay una voz y una marioneta, y deben transformar eso en un momento que verdaderamente viva. Cuando lo haces bien –logras que un momento o mejor aun, toda una serie de momentos, cobren vida- la audiencia está totalmente convencida de que esta marioneta no sólo se está moviendo o hablando, sino que está pensando… es una gran ilusión y es increíblemente gratificante.”

Uno de los animadores principales, Ian Whitlock, dice que la sensación casera hecha a mano del fotograma a fotograma le otorga una calidad muy distinta que la que proporciona la animación generada por ordenador. “Con el ordenador puedes hacer lo que sea,” explica el animador. “Puedes empujar a los personajes hasta donde tú quieras. De hecho, siento que debo limitarme para obtener la actuación correcta. Con la marioneta no ocurre así. Siempre estás limitado por la marioneta y siempre intentas ir más allá de lo que ésta puede darte. Por ejemplo, mueves los hombros para darle un poco más de curva en la espalda- y cuando lo logras, cobra vida como ninguna otra cosa.”

Otro animador, Lee Wilton, añade, “las escenas que parecen más sencillas son las más difíciles de hacer. Puedes tener una toma de cuatro segundos de un personaje pensando, o mirando ligeramente fuera de pantalla. Parece fácil pero debes asegurarte que la audiencia lo interpreta de la misma manera que tú esperas. Hacer que parezca sencillo es muy difícil.”

El rodaje

El meticuloso trabajo de animar una película fotograma a fotograma, supuso un reto aún mayor debido a la naturaleza del guión. Por ejemplo en una de las primeras escenas que transcurre en un bar, toda la tripulación del Capitán pirata es presentada a los demás aspirantes a Pirata del Año. Todo ello supuso que 15 o 16 piratas podrían estar en el mismo tiro de cámara en cualquier momento. Para mantenerlo todo en orden, Sadler le dio a cada uno de los personajes -incluso a los dependientes del bar que no tenían diálogo y sólo estaban en una escena- un poco de trasfondo. Reconoce que: “Me ayuda a recordar lo que debo hacer. Hay una mesa junto a la ventana, donde dos de ellos disfrutan de una cita, pero un tercero está ebrio y se la está arruinando. Hay una mesa donde otros están jugando a las cartas y uno de ellos hace trampa. Hay otra mesa en la cual uno de los piratas está bebiendo un cóctel que los otros piratas piensan que no es propio de un pirata y se mofan de él. Es muy fácil perder la pista de lo que haces si estás animando a tantos personajes, así que ayuda darle a cada uno su propia historia. Eso sin mencionar que es agradable hacer reír aún en el segundo plano –es muy propio de Aardman.”

La escena en el pub, una de las más largas de la película: requirió 18 meses de rodaje. ¿Cómo puede un animador concentrarse por tanto tiempo en una escena que al final sólo duraría unos minutos en la película? Whitlock, quién paso gran parte de su tiempo con Darwin y Míster Bobo explica: “Animar es una forma de interpretar a través de una marioneta. Es muy gratificante estar por tu cuenta en este ambiente, mirando la marioneta, concentrándote, tratando de sentir lo que se supone que debe sentir en ese momento. Y luego, debes centrarte en los detalles, bien sea en el cuerpo principal que está dando saltos o en un minúsculo elemento de su ropa que debe suavizarse al final de un gran movimiento para que todo quede natural.”

Al finalizar el rodaje de las escenas entregaron las tomas terminadas al editor Justin Krish, quien se enfrenta a su primer proyecto animado con este filme. “Editar animación es totalmente distinto a editar acción real,” asegura. “En una película animada, gran parte de la edición se hace antes de rodar; armamos la película por primera vez con guiones gráficos. Editamos otro par de veces, primero con secuencias de pre visualización y después una vez lo hayamos rodado; pero el verdadero trabajo se hace en la fase del guión gráfico y es por eso que un editor en animación está mucho más involucrado en el desarrollo del argumento que un editor en una película de acción real. Por ejemplo, puedes pedir una toma si piensas que es necesaria para la secuencia y una vez que la tienes la puedes probar de una manera que sencillamente no podría hacerse en acción real.” Como resultado, la sala de edición se convierte en el centro por donde pasan todos los departamentos –desde los dibujos hasta el diálogo grabado hasta las tomas de estudio; todo pasa por el editor.

Los efectos visuales de la película fueron supervisados por el Supervisor de Efectos Visuales, Andrew Morley y el Supervisor de Animación Generada por Ordenador, Ted Chaplin. Desde el principio era evidente que la animación cuadro por cuadro necesitaría apoyarse en efectos visuales para rellenar los espacios que no pudieran animarse a mano. “Casi la mitad de las tomas fueron bastante sencillas para nosotros –añadir cielo y fondo,” dice Morley –pero otras conllevaron procedimientos mucho más complicados, incluyendo la construcción de gran parte de Blood Island (donde transcurre gran parte de los excesos de los piratas al principio de la película). “Construyeron el puerto en el taller, pero teníamos que convertirlo en una isla completa con un volcán en la distancia,” explica Morley. El equipo de efectos visuales también animó varios personajes en el lejano segundo plano.

Tampoco hay que olvidar que el puerto incluye agua, un asunto complicado para la animación por ordenador y una tarea simplemente imposible para el sistema fotograma a fotograma. Es aún más complicado ya que los artistas de Efectos Visuales tuvieron que crear un mar que se viera igual al del mundo hecho a mano que los cineastas diseñaron para el filme. El reto es que el mundo Aardman es real –hay objetos físicos, hechos a mano y fotografiados con cámara- pero a su vez claramente no pertenecientes al mundo real. “Todos los programas hoy en día están creados para el realismo fotográfico,” dice Morley. “Hacen que el mundo se vea real y perfecto” –y el resto del mundo de la película no es real ni perfecto. “Vamos tras algo un poco más hecho a mano, más estilizado. Así que desarrollamos nuestra propia herramienta de simulación de agua para los planos generales y medios. Para planos más cortos, pudimos usar programas existentes, pero aún así decidimos no animar el rocío en formato fino, como el que ves en el choque de las olas contra las rocas- la palabra que utilizamos fue un ‘rocío más grueso'”

“Eso fue lo más importante –hacer que lo generado por ordenador correspondiera con el mundo Aardman,” explica Chaplin. “Todo, desde los monstruos marinos hasta las naves más grandes –todo aquello demasiado grande para construir- tuvimos que hacerlo parecer como si hubiera sido creado en el plató y realmente estuviera allí. Esta película está hecha en una escala mucho mayor que todo lo que Aardman ha hecho anteriormente, y nuestro trabajo fue darle a los efectos visuales tanto cariño y atención como el que pusieron en los platós y en el taller. No queremos que ningún espectador pierda esa suspensión de incredulidad cuando esté viendo la película, sin importar cómo esté animada”, ha asegurado Chaplin.
En este proyecto trabajaron 40 unidades individuales en el estudio con 29 animadores. Todo está preparado en el estudio para facilitar que los animadores puedan animar durante el mayor tiempo posible cada día. Esto significa que mientras un animador trabaja en un plano en una unidad, se prepara otro plano en otra unidad: ambientando el plató, ajustando las luces, montando las cámaras – ¡todo ello lo aprueba el director antes de que el animador entre en acción! La media de animación para los animadores es de 4 segundos de animación por semana… y a la vista queda el resultado.

¡Piratas!, en cifras

• Un equipo de 525 personas trabajaron en la película, entre ellas 33 animadores y 41 unidades de rodaje repartidas en 4 estudios.
• El barco pirata se confeccionó enteramente a mano y sumó 44.569 partes. Llevó más de 5.000 horas de desarrollo y al final pesó 350 kilos. Mide 4x 4,5 metros.
• La película contó con 70 modeladores y 250 marionetas, de los cuales habían 9 piratas de la tripulación, 23 piratas de segundo plano, 18 científicos de segundo plano y 55 personajes especiales, ¡un total de 112 personajes diferentes!
• La barba del Capitán cuenta con un mecanismo especial para animarla. El mecanismo sufrió 5 diseños diferentes hasta llegar a su versión final.
• Se fabricaron 7.000 bocas diferentes para el Capitán
• Trabajaron en el proyecto 40 unidades individuales en el estudio con 29 animadores.

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